LA VISIÓN LATINOAMERICANA DE LA CRUZ EN BUENOS AIRES: Estampas de la Pasión según San Marcos de Osvaldo Golijov

En el año 2000 se estrenó en Alemania la Pasión según San Marcos, del compositor argentino Osvaldo Golijov. Mucha información sobre el origen de la obra y la formación y vida del compositor se puede conseguir fácilmente en la www. 

La composición, como se puede leer en la partitura, si bien es de Golijov, tiene movimientos en los que el mismo autor agradece y reconoce los aportes hechos por músicos que desde el inicio siguen formando parte del grupo de intérpretes, así como otros de cuya fuente él tomó las ideas a desarrollar, por cierto muy a tono con los tiempos actuales, con el trabajo colaborativo tan en boga en la red, sólo que en el caso de la Pasión, el papel del compositor ha sido fundamental especialmente para darle continuidad y coherencia a la diversidad y variedad de elementos que la integran. 

En cuanto a los ritmos latinoamericanos se encuentran el son, la samba, la comparsa, el mambo. De las raíces más directamente africanas, los ritmos que 'cantan' los tambores batá. De España, el flamenco, con cajón y palmas y una fantasía sobre canción tradicional flamenca (inspiración de la Niña de los Peines). En el movimiento de la Agonía, se siente el tango. En lo que respecta a la danza se incluyen la 'capoeira' y la danza afrocubana, a cargo de dos solistas. El coro también se mueve, reforzando con el cuerpo la intención del canto. 

En la Pasión se muestran distintas maneras de cantar pues se escucha el cante jondo, un canto de inspiración gregoriana, otro tipo jazz. Se hace uso del canto popular, abierto con distintas sonoridades, así como del canto lírico, como si el compositor asignara a cada emoción, a cada episodio, la fuerza expresiva vinculada a la región cultural más afín, sea ésta proveniente de Africa, Brasil o España. Las lenguas usadas son mayoritariamente el español, de habla popular, pero también hay partes en gallego y arameo. La parte instrumental  es sumamente interesante y merece artículo aparte, ya que el papel de la percusión, las cuerdas y de la 'Orquesta La Pasión' es tan protagónico como el del coro y los solistas.

Ninguna música por 'académica' que sea es capaz de mostrarse toda en una partitura. Los símbolos musicales son unos dibujos que esbozan la idea que el compositor escucha, imagina y crea, pero la música no reside en ellos. Apenas se inicia. La música está en la parte no escrita entre nota y nota. Golijov acompaña su Pasión con imágenes, frases, estampas. Ha mencionado al Cristo de Dalí, al Guernica de Picasso, al Ché y todo ello ayuda al intérprete a buscar la verdad en la partitura, a comprender su fuente y su mensaje. La historia plasmada en el Evangelio viene contada por la experiencia latinoamericana, su influencia, su cultura y su fuerza. 

En los momentos iniciales del proceso de composición llegaban los manuscritos del compositor con notas, dibujos, frases que mostraban la inspiración y la intención que quería reforzar en alguna u otra sección. Finalmente, con la presencia de Golijov y de la Orquesta La Pasión, en una serie de ensayos sucesivos e intensos realizados en Caracas, las ideas de Osvaldo se fusionaban con los aportes sugeridos tanto para las partes corales como para las instrumentales y la fuerza de la orquesta bombeaba la sangre de esa Pasión que emergía y cobraba vida en manos del colectivo. Así nació y luego empezó su viaje por el mundo, en un itinerario que apenas comienza a tocar tierras latinoamericanas, como Venezuela, Colombia y próximamente Argentina. 

Es un gran y emocionante compromiso presentarla a los coterráneos del autor. Un segundo estreno se siente en el ambiente y con mayor fuerza estará dedicada  "al milagro de la Fe en Latinoamérica".

Ana María Raga

Directora Asociada de la Schola Cantorum de Vzla

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Para conocer más sobre la obra y sus intérpretes, les recomiendo leer:

De Aquiles Báez, Historia de una Pasión: la Schola Cantorum y la Pasión según San Marcos

De María Guinand, La Obra Coral de Osvaldo Golijov (parte 3 de 3)

Y visitar la página del Compositor: Osvaldo Golijov

Imágenes: Guernica (Picasso), Cristo (Dalí) tomadas de Wikipedia

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Dónde estuve en estos días (Europa Cantat Junior)

Pärnu es una hermosa villa costera localizada en la parte suroccidental de Estonia, que en estos días es sede de la 6ta edición del Festival Europa Cantat Junior, organizado por la Federación Europea de Coros, Europa Cantat, en el cual se dictan una serie de talleres dirigidos a coros de jóvenes de 8 a 20 años y a directores de agrupaciones infantiles y juveniles.

Las casas de este lugar me recuerdan un poco a las del "lejano oeste", con listones y anuncios de madera. El centro histórico está lleno de pequeños cafés en zonas peatonales que el sol  baña con una luz impresionantemente bella. Tiene muchos parques sin rejas ni puertas que se incorporan como si nada al trayecto, tan verdes que casi no es posible creer que frescura.era de su sombra haga un sol 'de playa' como en efecto ocurre. Así que es posible elegir a lo largo del camino entre el calor y la frescura.

Estuve a cargo del Taller "Move while you sing!" y trabajé con más de 100 niños y jóvenes. El grupo estaba formado por coralistas de Estonia, Francia, Bélgica y Catalunya quienes hicieron un gran trabajo al memorizar cinco canciones, todas en castellano y con variados ritmos y,  por supuesto, movimientos. Ensayamos en un sitio privilegiado por lo acogedor: la Casa del Arte (Kunstdemaja, "maja" significa "casa"). Es una casona   con una escalera en el medio, plantas y pájaros. Todo un oasis tropical en el centro de la ciudad. 

Pärnu es un sitio muy acogedor, perfecto para festivales corales y definitivamente un lugar al que quisiera regresar para disfrutar de unas formidables vacaciones. 

Conciertos: Planificación

Después de algún tiempo sin escribir, regreso de nuevo.

Hoy quisiera comentarles un poco sobre la planificación del concierto.  La estructura del  concierto puede obedecer a distintos patrones. Hay conciertos en los cuales el repertorio se organiza de manera cronológica, desde la primera obra, la más antigua, hasta la última en el programa, la más actual. Hay conciertos temáticos, por ejemplo, constituidos por obras de un determinado período, estilo o argumento. Los hay que obedecen al hecho de presentar lo que el coro ha venido trabajando, muestran la versatilidad de la agrupación y suelen ser muy amenos por la variedad de estilos que presentan. En la estructura del concierto no hay leyes estrictas, lo que nunca se debe pasar por alto es que el concierto es también un espectáculo visual en el cual el público no sólo escucha al coro sino que también lo ve, por lo tanto quisiera compartir con ustedes algunos puntos a tomar en cuenta.

Ante todo, es aconsejable tomar el tiempo de las canciones. Esto nos dará una idea de la duración del concierto y nos hará pensar si es o no necesario hacer un intermedio. Una primera parte de un concierto no sólo dependerá del tiempo de música que contenga sino también de lo densa que pueda ésta ser. Si hay variedad, movimientos, empleo de luces, es posible hacer un concierto de casi una hora sin intermedio. El intermedio a veces es necesario no sólo para dar una pausa tanto a los artistas como al público sino también para cambiar el escenario,  el uniforme, los recursos extra musicales que se estén utilizando, etcétera.

La colocación de los coralistas a veces es alterada por el director para obtener mejores resultados en las canciones que ameriten un cambio, por ejemplo, separar a las sopranos de manera de que queden a ambos extremos del coro, colocar a los bajos en el centro,  cuando algún coralista canta a veces como primero o como segundo en su cuerda, dependiendo de la canción o cuando se necesita que los solistas salgan hacia adelante. En estos casos es importante prever y organizar quién se va a mover, cuándo y cómo, de manera que ante el público este movimiento que debe ocurrir entre las canciones no perturbe el ritmo en el que está sucediendo el espectáculo. Para ello es aconsejable decidir, por ejemplo, que los que deban moverse de izquierda a derecha del escenario lo hagan por detrás de las filas y los que se muevan en dirección contraria lo hagan por delante. Todo esto sin hablar. Los coralistas deben haber practicado estos movimientos para que sean expeditos y salgan de manera fluida.

Cuando el concierto incluye la participación  de instrumentistas en algunas canciones, es importante prever cómo será su entrada al escenario así como su retirada. Ellos deben poseer el orden de las canciones a interpretar para tener todos los instrumentos organizados y listos, por ejemplo, cuando se trata de instrumentos de percusión menor, o si es el caso de un instrumentista talentoso de los que abundan en nuestra tierra que son capaces de tocar muchos y diversos instrumentos para que tengan a mano el que les corresponda según el orden del programa. Éste último se suele estructurar de manera tal que las canciones que llevan instrumentos vayan todas juntas y hacia el final del concierto, pero de nuevo, no es ley.

Como hemos dicho, el concierto es también un espectáculo visual, por lo que, sin descuidar el canto y la expresividad musical, es interesante tanto para los coralistas como para el público incluir algunos movimientos si las canciones lo permiten, pueden ser éstos rítmicos, de naturaleza más plástica, coreográficos, de desplazamiento, etcétera. Así mismo vale la pena incluir accesorios como cintas, telas, instrumentos sonoros que usen los mismos coralistas, velas, y además conocer las posibilidades que ofrece la sala de conciertos en cuanto a elementos como juego de luces.

Es necesario, siempre que sea posible, que el director conozca y visite la sala donde se hará el concierto. Así tendrá una idea clara de las dimensiones, posibilidades de entrada del coro, uso de los espacios, visualización de todo el espectáculo y modificaciones de ser necesarias, colocación de los instrumentos, conocimiento de las posibilidades de iluminación y sobre todo, un primer contacto con el personal de la sala quienes serán los aliados con los que el director cuenta para que el concierto sea tal como lo ha previsto y hasta mejor cuando estos profesionales comprenden las ideas que se buscan y proponen soluciones de acuerdo a su experiencia. Ellos son importantes y su aporte no sólo es valioso sino que en sus manos está mucho del éxito de la presentación.   

Escalón por Escalón (componiendo para los más pequeños)

Esta canción fue dedicada a los chiquitos (niños entre 4 y 6 años) de un Grupo de Iniciación Coral, con la finalidad de que entonaran semitonos. Pienso que a los niños les gusta el reto. El reto como incentivo para superarse a sí mismos. Así que primero se les dijo que hay algunos adultos que piensan que los niños de preescolar no pueden entonar semitonos porque eso es muy difícil y que con esta canción queríamos demostrar que sí podían. La profesora del Grupo realizó el montaje ¡Y la cantaron con muchas ganas y muy bien en el concierto que tenían pautado! Aprovechando este blog, quiero regalarles esta pieza a todos los directores que piensan que sus niñitos chiquiticos sí pueden cantar semitonos. Pueden bajarla desde la página de Composiciones. Espero que la disfruten y me cuenten qué tal les fue...

Happy New Year...

With my best wishes for the next year...